2ª VANGUARDIAS Y ARTE POSMODERNO
EN ESTA PÁGINA SE APORTA EL TEXTO BASE PARA REALIZAR UNA INVESTIGACIÓN SOBRE LAS CLAVES DEL ARTE CONTEMPORÁNEO Y SU RELACIÓN CON LA CULTURA Y LA SOCIEDAD. LAS IMÁGENES QUE DEBERÁN VISUALIZARSE, DEBIDO A SU EXTENSIÓN SE HAN APORTADO EN UNA LISTA REPARTIDA EN CLASE, JUNTO CON LAS PÁGINAS WEB DONDE SE PUEDEN ENCONTRAR.
EL TRABAJO, QUE TENDRÁ UNA EXTENSIÓN VARIABLE EN TORNO A 10 FOLIOS, SE REALIZARÁ INDIVIDUALMENTE Y SE DEBATIRÁ EN CLASE EN GRUPOS DE 4 ALUMNOS/AS A PARTIR DE DILEMAS Y PREGUNTAS CLAVE QUE MANIFESTARÁ EL PROFESOR. AL FINAL CADA GRUPO EMITIRÁ UN INFORME CON LAS CONCLUSIONES.
POR OTRA PARTE, CADA ALUMNO REALIZARÁ UNA OBRA ARTÍSTICA EN CUALQUIER FORMATO, LENGUAJE Y TÉCNICA EN LA QUE REPRESENTE ALGÚN ASPECTO RELACIONADO CON DILEMAS O TENSIONES CULTURALES DE LA ÉPOCA EN QUE VIVIMOS. SÓLO A TÍTULO DE EJEMPLO SE MENCIONA LA OBRA "LA CAJA DE PANDORA" QUE SE PUEDE OBSERVAR EN EL AULA DE EDUCACIÓN PLÁSTICA Y VISUAL
INTRODUCCIÓN:ARTE SOCIEDAD Y CULTURA
El Arte tiene varias funciones, algunas de las más importantes son:
EL TRABAJO, QUE TENDRÁ UNA EXTENSIÓN VARIABLE EN TORNO A 10 FOLIOS, SE REALIZARÁ INDIVIDUALMENTE Y SE DEBATIRÁ EN CLASE EN GRUPOS DE 4 ALUMNOS/AS A PARTIR DE DILEMAS Y PREGUNTAS CLAVE QUE MANIFESTARÁ EL PROFESOR. AL FINAL CADA GRUPO EMITIRÁ UN INFORME CON LAS CONCLUSIONES.
POR OTRA PARTE, CADA ALUMNO REALIZARÁ UNA OBRA ARTÍSTICA EN CUALQUIER FORMATO, LENGUAJE Y TÉCNICA EN LA QUE REPRESENTE ALGÚN ASPECTO RELACIONADO CON DILEMAS O TENSIONES CULTURALES DE LA ÉPOCA EN QUE VIVIMOS. SÓLO A TÍTULO DE EJEMPLO SE MENCIONA LA OBRA "LA CAJA DE PANDORA" QUE SE PUEDE OBSERVAR EN EL AULA DE EDUCACIÓN PLÁSTICA Y VISUAL
INTRODUCCIÓN:ARTE SOCIEDAD Y CULTURA
El Arte tiene varias funciones, algunas de las más importantes son:
- Representar una imagen que produzca una “emoción estética”
- Representar visualmente ideas y formas de ver el mundo. El arte es una manera de conocer.
- Expresar sentimientos o ideas del propio artista o de personas singulares
- Manifestación cultural de la sociedad en cada momento histórico.
Sociedad (Relaciones humanas, Organización social, Poder, Grupos de poder, Conflictos, Economía, Desarrollo científico, Tecnología, Convivencia,......
Cultura (Renovación estética, Aumento del conocimiento, Conciencia crítica, Desarrollo de los medios de
comunicación,..)
Arte (Búsqueda del objeto poético, experimentalismo, novedad, nuevos materiales y conceptos, actitud de ruptura con la tradición y las convenciones, crítica al academicismo,....)
La sociedad, la cultura y el arte se influyen mutuamente...
Lo más apropiado es pensar que, aunque el Arte tiene algunos conceptos
propios, nacidos y relacionados sólo con su mundo propio, el Arte no se
entendería ni hubiera sido como es si no hubiera recibido la influencia de lo
que ocurre en la sociedad y en el ámbito de la cultura.
PARA ENTENDER EL ARTE CONTEMPORÁNEO
El arte contemporáneo es deudor
de los movimientos artísticos del siglo XX, en el cual se produjo una auténtica
revolución cultural y artística que rompió con muchas ideas anteriores (el
concepto de belleza por ejemplo), con convenciones sociales y tradiciones
históricas, tanto en el arte, como en la política o en las relaciones humanas.
CUESTIONES PREVIAS
La evolución de las ideas y
movimientos artísticos es permanente; no hay una fecha precisa de nacimiento y
desaparición de las vanguardias. No hay que aplicar un estricto criterio de
continuidad y sucesión
Todo el Arte esta influido por la
cultura, por las ideas que dominan en la sociedad y por el desarrollo histórico
de lo que pasa en el mundo.
El Arte contemporáneo está influido por la historia del
arte en general y, sobre todo, por las vanguardias artísticas del siglo XX y
los conceptos que éstas aportaron, por ejemplo, romper con la idea de
representación del espacio perspectivo que venía desde el Renacimiento.
En la comprensión de la obra de
arte influyen el conocimiento cultural
del observador, la experiencia, el contexto histórico donde se ubica la
obra y tener una actitud indagadora.
A partir del siglo XX, la obra de
arte se considera abierta, es decir, es susceptible de múltiples
interpretaciones válidas, dependiendo del observador (depende de la capacidad y
cultura para realizar asociaciones mentales con la imagen), del contexto, etc.
En cualquier caso, es preciso un diálogo pausado y crítico para alcanzar una adecuada
comprensión de la obra, para lo cual se necesita un método.
CONTEXTO HISTÓRICO.
Los aspectos siguientes influyen
mucho en el cambio de mentalidad de los artistas y su deseo de ruptura con lo
establecido
Desarrollo científico y
tecnológico. Admiración por la máquina y la velocidad como metáforas del mundo
nuevo que está llegando, lleno de expectativas para alcanzar los sueños de un
mundo mejor, sin enfermedades, ni hambre etc.
Ideas filosóficas y políticas que
renuevan el panorama y traen consigo el deseo de Libertad, Igualdad,
Solidaridad y Justicia. La esperanza en el cambio debe consumarse en la
búsqueda de la Utopía
(como ideal hacia el que el género humano debe dirigirse, y que, aunque no se
alcance, va haciendo mejorar a la sociedad.
La actitud de los artistas (y de
los intelectuales en general) es de búsqueda de la novedad (a veces como única idea, es decir, la novedad por la novedad, lo que no aporta ideas interesantes) y de ruptura con las ideas y creencias anteriores.
Desarrollo económico fundamentado en el desarrollo tecnológico y, sobre todo, en nuevas relaciones entre trabajadores y capitalistas, lo que produjo un aumento progresivo de la conciencia social y de los derechos humanos, por ejemplo derecho a una vivienda digna, derecho a la educación , etc.
Desarrollo cultural, basado nuevas ideas más democráticas sobre lo que era cultura, recuperando gradualmente el reconocimiento de la cultura popular.
Desarrollo educativo, avanzando en el conocimiento de toda la población y por lo tanto en la capacidad de análisis y de elección , mejora de las relaciones y del gusto estético, etc.
MARCO SOCIAL Y CULTURAL DEL SIGLO
XX. ALGUNAS CLAVES PARA COMPRENDER EL ARTE DESDE LA MODERNIDAD HASTA LA POSMODERNIDAD
Sin embargo, a partir de la Segunda Guerra Mundial,
pero sobre todo a partir de los años 70
del siglo XX se cuestiona la
Modernidad , y se piensa que, aún habiéndose producido muchos
avances y mejoras sociales, también ha habido dos guerras mundiales, sigue
habiendo injusticias, hambre en países empobrecidos etc. y la cultura y el arte
deben ser críticos con estas circunstancias, debiéndose colaborar en crear otra
conciencia de ciudadanos solidarios, libres e iguales de verdad. Sin embargo,
no todos se ponen de acuerdo
No hay dogmas absolutos, todos se
cuestionan o se replantean. Esto puede generar en algunas personas angustia, en
otras incredulidad hacia todas las ideas de los demás, y en otras cinismo.
Las conductas y pensamientos
impuestos por creencias y costumbres se rebasan permanentemente con un impulso
renovador de las ideas. También se rompen por un impulso puramente
experimental.
La pugna entre ideales sociales y
políticos se encuentra en el campo de la economía (el dios don dinero) y el
auténtico respeto por los Derechos Humanos.
La verdad es provisional hasta
que no se demuestre lo contrario.
Los valores son materialistas
aunque muchas veces se disfracen de altruismo.
Aumenta el individualismo
insolidario: sálvese el que pueda
La búsqueda de la felicidad se
realiza por múltiples caminos, algunos son insolidarios, egoístas, otros
superficiales y otros, los más útiles, requieren mucho esfuerzo personal y
colectivo.
Para contrarrestar a los valores anteriores con fuerza la Oscuridad ideológica, la Seguridad , la Tradición , la Incertidumbre ,
Reina una gran confusión de
ideas. Todo se mezcla, y se combina, a veces sin criterio.
Los medios de comunicación han
cambiado la vida del ser humano hasta límites insospechados, estamos en la “aldea
global” . Informan y desinforman.
La banalización de la sociedad
aumenta gradualmente. Los grandes retos a los que se enfrenta la Humanidad han quedado
ocultados. La creciente complejización del mundo no se puede abordar desde
planteamientos simples o reduccionistas.
La globalización está dirigida
por las multinacionales. La interculturalidad se abre camino lentamente.
La crisis ecológica es profunda
pero sus verdaderas causas no quieren tratarse.
Todo tiene un precio. La mercantilización
de la vida es un hecho que contribuye a que todo se “cosifique”, se reduzca a
su valor monetario.
La cultura también ha notado el
efecto de la mercantilización, apareciendo el fenómeno de la industria
cultural. La cultura reduce su profundidad y expresión natural
convirtiéndose en ocio vacío, para que pueda venderse mejor, según el gusto de
la moda.
También la cultura se banaliza al
convertirse en espectáculo de efectos especiales sin contenido.
Aumentan y se consolidan las
brechas entre polos sociales y culturales opuestos:
Lujo-Pobreza,
Satisfacción-Frustración, Masa-Ciudadanía, Comunicación-Soledad, Poder de
pocos-Democracia, Violencia-Paz, Ciudad habitable-Ciudad deshumanizada,..
MIRADAS DIFERENTES AL ARTE CONTEMPORÁNEO
Unos piensan….
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Otros piensan…
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Continua la búsqueda incesante de nuevas formas
artísticas, ahora combinando lenguajes expresivos de muy distinta naturaleza
(fotografía y pintura, video proyectado sobre arquitectura,..). Se mezclan
también conceptos, técnicas, materiales nuevos
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Que se debe volver a técnicas y lenguajes
clásicos, pero introduciendo cambios o reformulando conceptos.
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El objeto artístico desaparece como tal para ser
sustituido por un objeto cotidiano con
sentido poético
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Se pretende recuperar el realismo de las cosas
como referente de la vida y de la sociedad. Las personas sentimos a partir de
nuestra percepción del mundo. El arte debe ser tomar como referencia esa
realidad. El artista debe recuperar su condición de artesano.
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El arte se compromete con la sociedad y sus
conflictos, promoviendo a través de las obras la reflexión crítica, la
denuncia, la difusión de ideas, etc. Las referencias para la creación son
discursos más o menos elaborados sobre los dilemas éticos o situaciones (no
necesariamente conflictivas)de las
personas o de la sociedad en general.
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El arte se inscribe en los circuitos comerciales y
convencionales, en este caso se trata de elaborar obras u objetos, aceptados
por el mundo del dinero para que pueda circular, exponerse y venderse.
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El arte en acción y su proceso de creación toma
valor en sí mismo, siendo más importante que la obra objetual (una pintura o
una escultura). Es el caso de los performances, happening, accionismo. Con
esta estrategia también se pretende luchar contra la apropiación del mercado
del arte.
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El objeto artístico se mitifica y se
convierte en símbolo de poder y exclusividad. Los museos, las galerías, las modas
imponen gustos y convenciones. La firma del artista vale más que la obra en
sí misma.
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El “arte por el arte” es un concepto que
proclama del arte en sí mismo sin necesidad de acudir a teorías
comunicativas, sociales o de cualquier otra naturaleza. El arte es una
necesidad expresiva y emocional del ser humano que se desarrolla en el campo
de la percepción sensorial. Se suele comparar con la música: ambas son
expresiones que emocionan sin necesidad de que tengan mensajes que
transmitir.
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El “arte y la vida” es un enfoque de
algunas vanguardias que pretende relacionar el arte con la naturaleza y la
vida real de las personas, con sus problemáticas, necesidades y sus formas
culturales locales. Quiere rescatar al arte de algunos “vicios” acumulados
durante siglos: elitismo, autocomplacencia, alejamiento de la realidad. Los
conceptos de juego, símbolo y fiesta son algunos de los conceptos
centrales en este enfoque
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EL ARTE POSMODERNO
Hunde sus significados en las transformaciones sociales, culturales y tecnológicas producidas en la sociedad del siglo XX y sobre todo en los cambios en el propio campo del Arte. (Se puede desarrollar y poner ejemplos)
En este momento, la imagen ha perdido el "aura" que tenía hasta mediados del siglo XX. Los medios de comunicación y las nuevas tecnologías han conseguido que estemos rodeados de imágenes por todas partes, 24 horas al día: las han vulgarizado, nos hemos acostumbrado. Para pensar en el alcance de esta situación debemos situarnos comparativamente a comienzos del siglo XX, y ponernos en la piel de las personas que vivían en muchos de nuestros barrios y pueblos en los que no había cine, ni televisión, ni teatro, ni había carteles, ni había libros ilustrados, tan sólo cristaleras, tablas pintadas y esculturas en las iglesias y edificios civiles.
El Arte (según la opinión de una gran mayoría de historiadores del arte, críticos y artistas) ya no pretende realizar objetos bellos, sino sugerentes, que comuniquen (ideas, sentimientos, sensaciones), que sean interesantes.
Por otra parte, el mito del artista se está superando: el artista ya no es una persona especial, con unas cualidades para el dibujo o el arte, ahora el artista se considera un especialista de la imagen. La creatividad se desarrolla en todos los campos del saber y no está asociada exclusivamente al arte.
El objeto artístico tiene que tener un “algo” que lo sitúe en la esfera de los objetos singulares, para lo cual es preciso varias condiciones:
- Tiene que ser algo novedoso, no visto anteriormente, ni siquiera parecido, aunque se admite la reinterpretación y el apropiacionismo. Se trata de ver y representar la realidad (la visible y la invisible, es decir, la psicológica, etc.) de otra manera.
- Tiene que situarse estéticamente en la época a la que pertenece, es decir, desarrollada con los lenguajes plásticos y elementos conceptuales contemporáneos.
- Tiene que tratar sobre aspectos, pensamientos, filosofías o hechos del mundo contemporáneo, que representa con lenguajes diferentes a los científicos y a los técnicos.
- Para conseguir lo anterior, utiliza signos, símbolos, metáforas y otros recursos retóricos.
- Los signos son representaciones indirectas, huellas que deja en la imagen, para lo cual realiza acciones (la propia acción se convierte en símbolo) sobre el objeto artístico como cortar y pegar, romper y reconstruir, montajes, etc.
- Tiene que estar bien realizado, para lo cual realiza bocetos, ensayos, experimenta, investiga, tanto desde el punto de vista de lo material como desde el punto de vista comunicativo realizándose preguntas tales como ¿comunicará lo que yo quiero transmitir? ¿conseguiré conectar con los observadores? ¿llegará a emocionar o por lo menos generar una corriente de simpatía por la obra?
- Para unos artistas, estos objetos deben favorecer sobre todo la reflexión, la asociación de ideas a través de los objetos o las imágenes: es el llamado arte conceptual. Los objetos que construyen o que toman del entorno les sirve para hacer montajes, instalaciones o intervenciones en el espacio público. Quieren provocar efectos en los observadores. Derivaciones del arte conceptual son el arte povera, el land art, las instalaciones artísticas, el performance,
- Para otros artistas, el objeto artístico tiene que ser poético, en el sentido de atractivo y sugerente, que la obra artística “hable” pero que a la vez sea mucho más: que siga teniendo un halo que haga placentero su observación.
Muchos artistas están volcados en la representación, pero no una la representación de la realidad tal y como la vemos (realismo), sino a esa porción de la realidad que permanece oculta a nuestros ojos pero que sabemos que existe por sus efectos (el mundo de la mente, los deseos, los miedos, los sentimientos de todo tipo, el poder, las relaciones humanas profundas y complejas, los valores, etc.). Esta intención de representar lo oculto es muy atractiva y muy antigua, habiéndose desarrollado múltiples recursos para llevarla a cabo: las metáforas, los símbolos, la ironía, etc.,
Otro de los recursos que más se utiliza en la actualidad es el de la APROPIACIÓN, es decir, tomar otras obras de tiempos anteriores, casi siempre muy famosas, como referentes para realizar otras obras nuevas, con una intención de sugerir otra manera de entender la obra, o de aplicar sus mensajes de forma distinta o con una intención irónica
Otro de los recursos que más se utiliza en la actualidad es el de la APROPIACIÓN, es decir, tomar otras obras de tiempos anteriores, casi siempre muy famosas, como referentes para realizar otras obras nuevas, con una intención de sugerir otra manera de entender la obra, o de aplicar sus mensajes de forma distinta o con una intención irónica
Hay un Arte que sigue centrándose en crear puros objetos artísticos, sigue el camino iniciado en el siglo XX del “arte por el arte”, cuyas realizaciones suelen ser obras abstractas, queriendo transmitir sensaciones puras (como la música) que guste y que sea atractiva. En muchos casos no pasa de ser obras “decorativas”.
El arte creado por niños, por personas con discapacidad también puede ser arte, por cierto muy libre, expresivo y sin las limitaciones y prejuicios estéticos que impone la sociedad de consumo. Hay corrientes y estilos artísticos que se inspiran o se encuentran en el mismo espacio artístico, utilizando formas y signos plásticos iguales. Es el arte informalista que desarrollan artistas como Dubuffet entre otros, o desde otro lenguaje formal el que se denomina arte naïf (arte ingenuo).
La discusión técnica sobre si la artesanía y otros objetos realizados con intención decorativa o estética es arte o no es muy interesante y controvertida por sus repercusiones teóricas: en la artesanía se combinan el objeto funcional (sirve para cubrir una necesidad) y cierta configuración estética que se manifiesta en formas y decoración. La opinión más generalizada es que la artesanía es un arte menor por la repetición de formas por tener funciones, pero...¿no se repite también el grabado; el cine, considerado arte, etc.? ¿No será por una cuestión de creencias, y que habría que considerar caso por caso para establecer que un objeto artesanal es arte o no? Queda para la reflexión y discusión.
Los estilos artísticos se han combinado unos con otros, se han convertido en eclécticos. La aparición de nuevos materiales y sobre todo de las nuevas tecnologías están abriendo nuevas oportunidades a la creación artística.
Casi todos los grandes creadores experimentan e investigan con la imagen, con la manera de representar y llamar la atención (en sentido positivo). Después de un notable esfuerzo de experimentación e investigación con conceptos, materiales y formas, logran encontrar un estilo propio que se adapta a sus intereses, a sus gustos y a su personalidad. También suelen realizar su trabajo basándose en grandes líneas temáticas, conceptos, reflexiones. En algunas ocasiones encuentran la inspiración para toda una etapa artística, en un libro, en un hecho histórico, en una situación personal, en una filosofía de la vida, etc.
Últimamente se está admitiendo de forma generalizada, que un grupo pequeño de artistas está realizando arte, admirable o sin calidad, con la única intención de entrar en los circuitos del poder y del dinero, y que esta manera de actuar está perjudicando la nobleza del arte y lo están vaciando de su espíritu poético y conmovedor. Efectivamente, está ocurriendo este fenómeno (pero no sólo es en la actualidad), pero en cualquier caso, siempre existirá un buen arte y un arte mediocre y vulgar. Siempre hay que estar atento para no caer en las críticas fáciles o en lo contrario, la aceptación rápida de cualquier cosa que llaman arte. Sólo el conocimiento y las opiniones contrastadas desde el debate público entre especialistas determinará el valor.